(10)海上画派。
海上画派，指的是清末(1840年后)至20世纪初，那些聚集于上海、画风相近的众多画家们，他们继承传统文化，善于把诗、书、画、印一体的文人画传统与民间美术传统结合起来，将明清大写意水墨画技巧和金石艺术刚健雄强、强烈的色彩融会贯通，描绘民间喜闻乐见的题材，风格趋向民俗性，形成了雅俗适宜的面貌。
(11)岭南派。
岭南派是现代画派之一，以广东番禺画家高剑父、高奇峰和陈树人为代表。他们的作品，多数描绘我国南方风物，在继承中国画传统技法的基础上，融合了日本和西方画法，创新笔墨，随类赋色，别具一格。
(12)京津画派。
京津画派主要指近现代北京和天津地区的画家。他们基本上沿袭了清代正统派的画学思想，强调继承古法，没有统一的艺术模式，创作自由。
(13)新金陵画派。
新金陵画派是新中国画坛最具影响力的绘画流派之一。新金陵画派缘起于20世纪60年代。
在建国初提倡写生，多以江南山水为表现内容，作品大多雄伟而秀丽，极具江南山水特色。新金陵画派的艺术观念具有自觉的创新意识、辩证的民族意识、高尚的人文精神和激情的写意精神。
(14)长安画派。
长安画派是以西安为中心的西北地区的一个大的画家群体。他们接近群众，深入生活，尖锐地批判现实。绘画风格质朴，描写身边的一景一物，对农村充满感情，所作塞上写生、西北写生、农村写生中的山水画，十分重视其中的农民的生活，尖锐地批判现实，具有深刻的社会历史含义。
(15)新浙派。
新浙派指的是中国20世纪50年代以来活跃在浙江杭州等地的、以杭州为活动中心的三代画家。他们多以素描的方式结合笔墨的挥洒，来描绘现实生活，反映时代面貌。
(16)新文人画派。
新文人画派是自20世纪80年代中期以来形成的画家群，他们依托学院的优势，以新文人画为标榜，以扎实的基本功与教学理论为基础，创作出有鲜明个性和现代意识与传统精神有机结合的特色作品，表现出对生活的执着与热情。
(17)漓江画派。
漓江画派作为近几年形成的绘画群体，绘画载体多样，形式多变，他们以表现时代风貌为宗旨，以广西秀美山水为主要表现对象，以广西当代画家为主要创作力量，主要审美特征是现代南方的新田园诗画风，最大特色是写生化和生活化，技法上以线见长，水墨淋漓，色彩明丽。代表人物黄格胜，漓江山水绘画较为突出。
(18)其他画派。
其他画派还有实验水墨画派、北方工笔画派、江苏工笔画派和冰雪画派等。实验水墨画派以西方现代观念为思想，以哲学的思考形式，把中国水墨这一古老形式进行新的演绎。
形式多样，面貌不一。北方工笔画派工笔画严谨。江苏工笔画派擅长把装饰色彩融于工笔花鸟而不露痕迹。其弟子喻继高现在作为南方工笔领袖，颇有成就，也影响一方。曾有人也把他们归为新金陵画派。冰雪画派主要描写东北冰雪胜景，水墨运用颇有新意。
3.中国画的欣赏
(1)中国画的欣赏方法。
①看气韵。“气韵生动”的提出始于南齐谢赫，此后经历代画论家的推崇和阐述，成为对作品的总体要求，是艺术达到的最高境界，也是品评、赏析中国画的最主要原则。“气韵生动”是指绘画的内在神气和韵味，达到一种鲜活的生命洋溢的状态。“气韵生动”之“气”，是指画面表现出的宇宙自然之元气。对于画作而言，无气则“板”，有“气”则能生动。“气韵”之“韵”就是画面表现出的宇宙自然之元气的节奏感，它是自然元气的表现形式。在绘画中，笔、墨、色等都是“气”的表现形式，所以画论有笔气、墨气、色气之说。
②看意境。意境是画家的修养在画面上的综合反映。“意境”即是“情景交融”的产物。这“情”是艺术家审美观的全部修养。在绘画上，要把客观事物最精粹的部分汲取过来，经过集中、筛选、加工、改造，融进自己的审美观点、审美感受、审美理想，再加上人的思想感情的高度概括，用艺术手法充分表现出来，就成为“意境”。“意境”能使欣赏者通过联想产生共鸣，思想感情受到感染。绘画是否具有意境，这是作品成功与否的重要因素。
追求意境的表现是中国传统美学思想的重要组成部分，是中国画的重要特征之一。
③看线条。中国画以线条构成，是与中国艺术家对线条的情有独钟和独特感受分不开的。
我们绘画的先祖认为，以点作画易于零散、琐碎，以面作画易于模糊、平板，用线作画最易于捕捉物体的形象及动感，最适宜发挥毛笔、水墨、宣纸、绢帛的特性。可以说，线条是中国画家独到的艺术语言，是中国画的灵魂。用于绘画的线条是有生命力的。千百年来，中国艺术家伏案笔耕，利用不同的笔法书写着粗细、曲直、刚柔、毛涩、疾徐、虚实、顺逆、繁简等不同质地、不同感觉的线条，并用这些含情线条的渐变、排列、组合、交搭、分割、呼应，在画面上构成造型的诸多形式。抑扬顿挫、疏密粗细、快慢虚实、浓淡干湿、无不显现着画家的才思、功底。
④看笔墨。中国画以墨为主、以色为辅，是其基本特点。笔墨二字几乎成了中国画的代名词。如果说西画是体、面和色彩的交响，那么，中国画就是点、线与水墨的协奏。墨分五色，释为焦墨、浓墨、重墨、淡墨、清墨五大色阶，并由五种色阶之间(加水量多少)形成无数细微的渐变。墨不仅能决定形象，分出明暗，拉开距离，代替色彩，还能制造画面的气氛。中国画家深谙绘画要旨，认为画面太枯则有燥气、画面太湿则无生气，墨无变化则僵滞死板。因而数块浓墨必以淡墨破之；一片淡墨必以浓墨破之；一片枯墨必以湿墨润之；一块湿墨必以枯墨提醒。观其面目时往往尚未看清具象形态，就已被画面笔墨中溢出的抽象意韵所感染。在欣赏中国画时往往也从这里入手。
⑤看构图、形式。中国画的构图有多种形式，也有多种提法，习惯称谓“章法”、“布局”。
将要表达的内容与形式加以组织、安排，构成一个体现个性、呈现气势、和谐统一的整体画面。
一幅作品境界或高或低，或奇或特或平庸，构图至为关键。构图法则有其自身规律，最主要的规律就是辩证法中的对立统一。凡符合对立统一规律的作品，就耐看，就有美感，就有吸引力；反之，美的因素就会大打折扣。中国画讲究稳中求奇，险中求稳，着意对比，打破对称，形成一个富有节奏的协调整体。大多采用“三七停”起手法则，把主体物象放在三七点上，对打破均衡起到至关重要的作用，也易于形成韵律节奏，给观者以视学美感。
⑥看诗、书、画、印。中国画博大精深，源远流长，融诗、书、印于一炉。字画中的诗词，往往代表主人的心声。一句好诗，能表现作者的内涵和学养；一句好诗，亦能起到画龙点睛的作用。而画中的书法，亦影响画面至大。书法不精的画家，大多不敢题字，虽然仅具签署，亦可窥其功底一二。而印上的文字，有时影响字画甚大。从印文中也可看到作者的心态，或当时的环境。好的印文，配以好的雕刻刀法，盖在字画上，使作品更添光彩。
(2)中国画欣赏的三个阶段。
中国画欣赏需要经过审美感知、审美理解和审美创造三个阶段。
①审美感知。审美感知就是要求人们直观地去感知审美对象，即绘画作品本身，可以去感知作品上画的是什么，画得像或是不像，色彩是鲜明的或是灰暗的，线条是流畅的或是笨拙的，表现手法是工笔的或是写意的，等等，总之要自己亲自平心静气地进行直观的感受。
②审美理解。在审美感知的基础上进行审美理解。即在直观感受的基础上，进行理解和思考，把握作品的意味、意义和内涵。这种理解包括对作品的艺术形式和艺术技巧的理解；对作品表现的内容和表达的主题的理解；以及对作品的时代背景和时代精神的理解，等等。
可以一步一步地想下去：作品画的内容要表现什么？是怎样表现的？所采用的艺术手段是否恰当？能否充分地表达出主题？作者的心思是热情地歌颂或是辛辣地讽刺？画面的情调是深沉或是豪放？是乐观或是悲伤？等等。
③审美创造。指通过审美的感知和审美的理解，在对绘画作品审美的基础上进行再创造，通过自己积累的审美经验、文化知识、生活阅历等进行丰富的联想、生发开去，再创造出一个新的意象来。这样，你才真正获得了启迪和教育，欣赏中国画才获得了真正的意义。
6.2.3中国的戏剧
1.中国古典戏剧的基本形式
(1)宋元南戏。
宋元南戏大约产生于北宋末年和南宋初年，浙江的温州及福建的泉州、福州一带，是戏曲的成型时期。
(2)元代杂剧。
元代杂剧也叫北曲杂剧，元代杂剧最早产生于金朝末年河北真定、山西平阳一带。盛行于元代，元代杂剧是中国戏曲的第一个黄金时代。它达到了很高的文学水准，以至单从诗体而言，古人早就将唐诗、宋词、元曲并称。
(3)明清传奇。
明清传奇是由宋元南戏发展而成的戏曲形式。它产生于元末，在明初流传，到了明嘉靖年间兴盛，至万历而极盛，并延至明末清初，作品之多号称“词山曲海”。
(4)清代地方戏。
清康熙末叶，各地的地方戏蓬勃兴起，被称为花部，进入乾隆年代开始与称为雅部的昆剧争胜。至乾隆末叶，花部压倒雅部，占据了舞台统治地位，直至道光末叶。这150多年就是清代地方戏的时代。1840-1919年的戏曲称近代戏曲，内容包括同治、光绪年间形成的京剧及20世纪初出现的一段戏曲改良运动。“五四”新文化运动以后戏曲便进入现代戏曲时代。京剧的形成是清代地方戏发达的结果，而京剧成为全国性的代表剧种后一点也没有压抑地方戏的发展。从清代地方戏到京剧，是中国戏曲极度繁盛的时代。
2.中国戏剧的剧种
中国戏曲历史悠久，剧种种类繁多，据不完全统计，我国各民族地区的戏曲剧种约有三百六十多种，传统剧目数以万计。
比较流行着名的剧种有：京剧、昆剧、越剧、豫剧、黄梅戏、评剧、粤剧、庐剧、徽剧、淮剧、沪剧、吕剧、湘剧、柳子戏、茂腔、淮海戏、锡剧、婺剧、秦腔、碗碗腔、关中道情、太谷秧歌、上党梆子、雁剧、耍孩儿、蒲剧、陇剧、汉剧、楚剧、苏剧、湖南花鼓戏、潮剧、藏戏、高甲戏、梨园戏、桂剧、彩调、傩戏、琼剧、北京曲剧、二人转、二人台、拉场戏、单出头、河北梆子、漫瀚剧、河南坠子、湖南花鼓戏、淮北花鼓戏、梅花大鼓、梨花大鼓、京韵大鼓、西河大鼓、评弹、单弦、山东快书、山东琴书等五十多个剧种，尤以京剧流行最广，遍及全国，不受地区所限。
(1)京剧。
①京剧的起源与发展。京剧，又称“皮黄”，由“西皮”和“二黄”两种基本腔调组成它的音乐素材，也兼唱一些地方小曲调(如柳子腔、吹腔等)和昆曲曲牌。它于1840年前后形成于北京，盛行于20世纪三四十年代，时有“国剧”之称。现在它仍是具有全国影响的大剧种。它的行当全面、表演成熟、气势宏美，是近代中国戏曲的代表，是中国的“国粹”。
孕育期。清初至乾隆年间，京城戏曲舞台上先后盛行昆曲、京腔(青阳腔)、秦腔等戏剧。
乾隆五十五年(1790年)，众多徽班先后落脚京城，当时的“四大徽班”除演唱徽调外，昆腔、吹腔、四平调、梆子腔亦用，可谓诸腔并奏。后来，又形成了徽、秦两腔融合的局面，徽戏艺术进一步发展。乾隆末年至道光年初(1821年)，汉剧名家纷纷由湖北进入北京，分别搭入徽班演唱，使徽戏的唱腔板式日趋丰富完善，唱法、念白更具北京地区语音特点，而易于京人接受。徽、秦、汉的合流，为京剧的诞生奠定了基础。
形成期。道光二十年至咸丰十年(1840-1860年)间，经徽戏、秦腔、汉调的合流，并借鉴吸收昆曲、京腔之长而形成了京剧。汇合各类戏剧艺术特色的京剧曲调板式完备丰富，超越了徽、秦、汉三剧中的任何一种。行当也大体完备，并形成了一批京剧剧目。程长庚、余三胜、张二奎为京剧形成初期的代表，时称“老生三杰”或“三鼎甲”。他们在演唱及表演风格上各具特色，在创造京剧的主要腔调西皮、二黄和京剧戏曲形式上，以及具有北京语言特点的说白、字音上，作出了卓越贡献。
成熟期。1883-1918年，京剧由形成期步入成熟期，代表人物为时称“老生后三杰”的谭鑫培、汪桂芬和孙菊仙。其中谭鑫培在艺术实践中广征博采，借鉴昆曲、梆子、大鼓及京剧青衣、花脸、老旦各行，融于演唱之中，创造出独具演唱艺术风格的“谭派”，形成了“无腔不学谭”的局面。汪桂芬则演唱雄劲沉郁，悲壮激昂，腔调朴实无华，有“虎啸龙吟”的评道，有“长庚再世”之誉。孙菊仙嗓音洪亮，高低自如，念白不拘于湖广音和中州韵，多用京音、京字，听来亲切自然。表演大方逼真，接近生活。
咸丰十年(1861年)京剧开始进入宫廷演出。后来，京剧名家不仅入宫演唱，而且还当京剧教习，向太监们传授技艺。自此，清宫掌管演出事务的机构“升平署”，每年均选着名艺人进宫当差。由于慈禧嗜好京剧，加之京剧名家频繁在宫中献艺，声势日强。上述名家，在继承中有创新发展，演唱技艺日臻成熟，将京剧推向新的高度。
