西方传统注重追求真实效果的源头，可追溯到公元前6世纪的古希腊文化。古希腊哲学家德谟克利特说过，我们从蜘蛛那里学会了织布和缝补，从燕子那里学会了造房子，从天鹅和黄莺那里学会了唱歌。莎士比亚认为艺术是客观现实的镜子，自然是艺术和科学的对象，强调艺术直接模仿自然。
比起东方艺术，西方艺术更强调客观的再现，以求真求实的理性精神，提炼出对崇高人性的追求。哲学家赫拉克利特也认为艺术和谐的原因在于模仿自然。西方传统绘画所表现的，正是真实的世界。直到19世纪末期，西方绘画才开始向写意发展。
画你所看到的
很多人都知道达·芬奇学画画的故事。当时达·芬奇只有14岁，他到佛罗伦萨拜著名艺术家韦罗基奥弗为师。没想到这位著名的老师除了叫他画鸡蛋之外，连续几周都不让他画别的东西，也不教他新的绘画技巧。达·芬奇很不解，问老师为什么老是让他画鸡蛋，老师告诉他：“鸡蛋虽然普通，但世界上没有绝对一样的两个鸡蛋，即使是同一个鸡蛋，角度不同，投来的光线不同，画出来也不会一样。”
这个故事中所讲的，正是西方绘画的精髓，就是要追求与“真实”高度的相似性，也就是要画你所看到的事物。达·芬奇说：“画家的心应该像一面镜子，永远把它所反映事物的色彩摄进来，前面摆着多少事物，就摄取多少形象。”
西方传统绘画力求与真物相似，因此，非常讲究透视法，以及对光影的运用，强调通过对物的写生来掌握真实。人物肖像画要跟真人相似，物体的绘画需在现实中感受大自然，这也使素描成为学习西方美术的基本功。看看传统西方绘画中的那些市街、房屋、家具、器物等，形体、光影都很正确，很多几乎同真物一模一样。
科学推动绘画艺术
中国的画家大多是文人，西方的画家却大多是科学家、发明家。在绘画中，他们将模仿的观念与透视学、解剖学、光影明暗学、色彩学等科学相结合，相互融合，使绘画的逼真性获得了巨大的飞跃。
西方艺术家发现暖红色的皮肤上有蓝紫色的斑点，经过仔细观察发现那是皮下静脉血管的颜色。为追求真实的质感，他们大量解剖尸体，就是为了弄清血管所在的位置、结构。这使得一些西方画家同时也是解剖家、医生。
绘画是时代的照相机
对于还没有发明照相机的时代，能还原真实，就是最高的绘画境界。所以真实才成为了西方绘画的重要原则，绘画也成为了那些时代的照相机。为了追求真实的效果，画家不仅要对各种表现真实的技巧炉火纯青，还要对人性进行深入的观察，以求画出最具神韵的人物来。
西班牙画家委拉斯开兹的《教皇英诺森十世》，就以这种真实感而闻名。同时代的人在看到这幅画后评论说：“所有其他作品都是绘画，只有这一幅才是真实的。”就连教皇本人第一次看到这幅画时，也吃惊而不安地说了一句：“画得太像了！”委拉斯开兹所画的，不仅仅是教皇的外部形貌，更重要的是，他将教皇内心的伪善一并刻画了出来。这种对人性表现的深度，让人们忽略了对其画技的评论，而更注重画中人物的内心。为了纪念委拉斯开兹的成就，他的故乡塞维利亚为其塑了一座雕像，基座上刻着：纪念真实的画家。
为什么西方绘画很重视颜色
古希腊的艺术家为了塑造庄重的形象特征，追求简洁素雅，颜色单纯而和谐，不会用过多的色彩来掩盖事物的本质，那时的色彩还是以自然的原色为主。比如古希腊的雕塑，以石材本身的天然色为主；瓶画主要有黑绘式和红绘式两种较简单的色彩样式。
从公元4世纪开始，随着基督教在欧洲的兴盛，象征主义和神秘主义带来了色彩的勃兴。“光”是上帝的化身，基督教把色彩作为神的象征，以色彩隐喻和象征上帝便成为最高美学价值的体现。西方绘画非常重视颜色，还非常重视光影对颜色的影响，因此，西方绘画常把“彩”与“色”结合起来，强调绘画是一门由色彩和明度生成的视觉艺术。
西方绘画的色彩历程
西方绘画对色彩的运用，在不同时期和不同派别的艺术创作成果中，有不同的层次。以白色大理石为主色调的古希腊艺术追求质感；以红、金、绿、白等色为主的基督教艺术重视象征；以红、蓝、黑等色为主的哥特教堂艺术突出光感；从画家乔托开始的以明暗对比为主的艺术强调和谐感；印象派则强化对自然色彩的浓烈表现。
色彩的运用得到真正发展应该是在文艺复兴时期，色彩渐渐摆脱中世纪概念化的象征功能，油画的出现使色彩更具感染力。之后印象派画作的出现则将色彩的表现力推向了另一个顶峰。为了突出艺术主题，色彩成为艺术家宣泄情感、表达主题的最主要的手段之一。以塞尚为代表，印象派喜欢用色彩来造型，表现出色彩的纯粹性。以梵高为代表，则在色彩中融入了强烈的个人情感。
色彩是丰富绘画表现力的语言
对于人类来说，色彩语言是不可缺少的，它在人们的生活中具有特殊的地位。对西方画家来说，色彩是流动的生命。
《哭泣的女人》是毕加索后期畸形女人作品中最动人的一幅，是立体派理念的一个发展。但最值得一提的还是这幅画的颜色，它把色彩运用推向了极致。画作的背景是暖红色的，烘托出女人面部的绿调子，显出悲伤的感觉；她面色忽黄忽紫，浸透着墨绿的苦涩；她长着钢丝般的头发，头顶的帽子红得让人心焦。毕加索对色彩的推敲和运用，使其笔下的色彩都拥有了内涵。
注重颜色的表现力，是西方绘画的重要特点。单单一个红色，在宗教题材的画作中它可能代表王权，在战争题材的画作中它可能代表血腥，在印象派的画作中它则可能代表焦虑与不安。西方画家可以根据不同的需要，让色彩表现出千差万别的复杂情感。
色彩代表画家的情感
在绘画中，色彩是情感表现的最重要手段。现代心理学实验证实，各种色彩与特定情感反应有对应关系。比如红色代表热烈、庄严、兴奋；黄色给人明朗、欢快、活跃的感觉；绿色象征着自然、大方、生命力等。在西方画家的笔下，色彩是心境的反应，画家能利用色彩表现更为复杂、微妙的情感。
毕加索早期艺术生涯被概括为“蓝色时期”和“红色时期”。当他处于命运的低潮时，流浪艺术家的栖息地一片阴沉，悲观凄凉与冷郁凝重交织，这时期他的画作以蓝色为主，象征内心的孤独和苦难。当他的境况发生改变后，他的画作颜色变为轻快的粉红，象征内心的一丝愉悦和安慰。
荷兰画家梵高的《向日葵》中，强烈的黄色震撼人心。梵高认为黄色代表太阳的颜色，象征爱情，自己就是那摇曳着燃烧着的花朵。梵高笔下的向日葵不仅仅是植物，还是带有原始冲动和热情的生命体。金黄的颜色，流动的笔触，人们看到那激动人心的画面效果，都会为之感动，充满激情，心灵为之震颤，共同融入到梵高丰富的主观感情中去。
色彩的科学体系
随着色彩在西方绘画中越来越受重视，艺术家们开始用一贯严谨的态度去探索色彩的科学。他们对色彩研究的领域包括物理光学、生物视觉、颜色视觉以及适应色素与颜料物理化学特性等，他们对色彩的构成、属性、类型等，都有科学的研究。
这些研究让西方人对色彩有了很严格的科学分类体系。画家们根据这些对颜色的科学研究，来了解自然色彩，并利用技巧将其转化为画布色彩。在西方，不能掌握色彩科学的画家，几乎是不可能画出优秀画作的。
为什么西方绘画很难看到画家的情感
早期的西方绘画讲究写实性，更多的是理性思考，画家的主观意识反而很难在画中表现出来，因此，我们很难在西方绘画中看到画家的情感。
但西方绘画并非欠缺情感，只不过传统绘画受到题材、文化的影响，不少画家不得不将情感隐藏在画作中，而让我们很难察觉。当西方绘画开始大量运用浓烈的色彩、拼凑的几何图形时，我们就能去感受、去理解、去思考、去感悟画家的情感了。
绘画能表现情感
绘画作品与一幅实物挂图最大的区别，就在于情感表现。真正的绘画艺术，离不开艺术家的情感，是画面与情感的交汇融合。一幅优秀的画作，必然是画家经过反复思量的：对画面进行合理的布局，选取适当的形式，利用合适的色彩??这一过程融入了画家的价值观念，他的情感倾向促使了对现实元素的取舍。即使是写实性非常高的画作，画家的笔触和技巧中也难免携带了个人的情感。只是西方绘画的写实性，使人们更注重形象的逼真，而忽略了对画家情感的感受。
线条、色彩、构图所显示的视觉形象，都成为了传达画家情感的基础。画家在利用线条、色彩、构图来表现现实的同时，也借助它们来表现内在的情感。而有的西方绘画则不大着重客观世界的再现，只着眼于主观世界的表现，比如印象派、抽象派。许多抽象的画面甚至很难从客观事物中找到它们的影子，但终究不能逾越用特定的色彩、构图来表现画家的观点。还有的印象派画家，只渲染光影产生的强烈色彩，这成为他们表现情感的重要手段。
在宗教画中注入人性化情感
拉斐尔描绘的圣母是为宗教人物注入情感的明显例子。拉斐尔一生执著地描绘圣母，他笔下的圣母有着柔美的脸庞、丰韵的身材，是完美的女性化身。更值得一提的是，拉斐尔的圣母眼神中充满了母性的慈爱，她像普通的母亲一样抱着孩子，与孩子嬉戏，让人感觉圣母就如同我们自己的母亲一样，可亲可敬。这种为宗教人物注入情感的人性化，反而使宗教画拥有了更强的感召力。
这种将宗教画平民化的方式，在当时并不都受到各阶层的欢迎。卡拉瓦乔的《圣马太被召》，描绘的是还在当低贱税吏的马太被耶稣召唤为门徒的瞬间，画家一反过去宗教画场景的神圣性，将整个场景刻画得非常写实。在如同地下室一般的小酒馆中，放贷者与赌徒聚集，马太在混乱的场景中突然受到耶稣的召唤，神情惊讶而有些茫然。当时很多人都认为卡拉瓦乔的这种宗教画离理想太远，不能接受。但卡拉瓦乔却认为神性就在现实之中，并执著于将宗教画进行现实描绘。
自我情感的投影
波提切利则更多地在宗教画中表现了个人的情感，他一反过去宗教画的束缚，增加了很多异教的元素，并大胆描绘全裸，为西方绘画带来了全新的境界。实际上，波提切利对于现实充满了迷茫和困惑，他的画作，柔美中大多带有迷茫、惆怅的情绪。他那幅著名的《维纳斯的诞生》，描绘了刚从贝壳中诞生的美神维纳斯。一生下来就完美无缺的维纳斯，脸上并没有喜悦之色，有的却是脱离尘世的淡淡忧愁。明明是春光明媚的《春》，却缺乏欢乐的气氛，处处弥漫着春寒与哀愁，这也正是画家对现实惶恐不安的再现。
我们为什么看不懂抽象派的画
很多人觉得看不懂抽象派的画，搞不懂艺术家想表达什么，甚至觉得抽象派的画没有美感。
抽象画之所以难懂，是因为它具有强烈的形式，是用抽象了的形式来构成面貌的绘画，跟我们平时看到的桌子、椅子等实物不相同，与自然物象极少或完全没有相似之处。大多数人都不知道艺术家画的是什么时，就会觉得抽象派的画脱离生活，特别难懂，是一门高深的艺术，其实抽象画也不是那么高不可攀。
抽象派绘画不是天书
